動漫筆記本

有「藉酒裝瘋」，這部片則是藉華麗的旅館場景、MTV式的魔幻影像（Massive Attack 的＂Karmacoma＂MTV 就光明正大抄了過去）、虛張聲勢的配樂與表演誇張的男主角（讓人想到金凱瑞）來裝瘋。可惜既然被看出是＂裝＂的，興致也就減了大半。可惜了這個題材。

其實最初印象不是來自電影，而是台灣當時進的漫畫版（同時期還有忍者龜）。主角不但是由自己所抵抗的商業系統產生，甚至需要這個商業系統的存在來維持自己的生命，這樣受制無力的英雄形象，對我的震撼力遠超過蝙蝠俠或假面騎士。
可惜現在回過頭來看，第一集也實在經不起時代的考驗。第二集改走 kuso 搞笑劇路線，更是讓人大為吐血，演員也演得有氣無力。
這部片與日本動漫畫有直接的關係，因為它的靈感正是來自六零年代的知名卡通片「８マン」，而他的裝甲設計則奠基於經典特攝片「宇宙刑事ギャバン」。日本動漫特攝片對好萊塢的影響絕非這十年的事，只不過以往是偷偷抄，現在只能承認甚至樂於承認而已。

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深黯日式漫畫精髓的老美漫畫家 Fred Perry 的網路漫畫
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簡單明快才能天然的樋口的首部長片 其優缺點也非常自然不造作地顯露出來
缺點如無演技指導(找來各大演員撐場 還真是讓他們靠自己撐著 樋口大概只想得到動畫式的誇張表現)
劇情壓縮失當以致說服力不足(改作長篇系列可能有希望
但劇情剪裁也往往是新星導演的共通罩門 同病例可見MIND GAME)
而他的長才:特攝與動作場面一如預期能量滿點 經典橋段/老套樣樣不少

講談社的網路動畫資訊雜誌 FRAMES 這五年作過兩次大型的訪談企劃：訪問 GUNDAM 的相關製作者，以及 GAINAX 的成員。前者在2002年已經出書，後者今年七月才出了書，兩者都是相當重要的日本動畫創作史料。
又，為了配合 GAINAX 山賀博之製作日本版配音的韓國動畫《Wonderful Days》上映，山賀與本片導演也有篇對談

最近的Z鋼彈電影版與種死鋼彈 可以說是富野與BANDAI對峙的結果
基本上鋼彈已經沒有任何新東西了
讓人很想知道 舊作重畫, 舊作新改 究竟可以撐下鋼彈王朝多久?
當鋼彈拍不出新作時 BANDAI會怎麼樣?
(有人統計過鋼彈系列占BANDAI產值多少比例嘛?)

押井守，日本動畫界最具自覺的導演。他的自覺不是在據情對白中透露的深奧知識，也不只是在對抗商業主義的叛逆精神，而是再於他對「動畫」這個媒體各種層面的反省與積極實驗。對他來說，動畫不是說故事講道理的機器，而是存在獨自邏輯與美學的影音體驗。因此，他對影像表現可能性的關切，遠遠超過故事本身。
押井絕非在動畫之外意圖改良動畫。相反的，他的思考是先回歸動畫的本質。考察整個動畫的源流，押井發現「原本動畫的型態，就是在例如『熊熊親子到河邊，抓了魚回到森林裡』這樣單純的故事中，以＂動起來的圖畫＂的趣味表現帶給人們感動。」因此，為了進一步探討動畫本身的表現能力，押井決定嘗試將故事結構盡量單純化、盡可能排除戲劇性，並將劇情表達的「寓意」模糊化；另一方面，又要求各環節的製作群要有追求表現的自覺。例如他對原畫家有如此要求：「關於個別的鏡頭、段落和場面，我並不希望原畫師把每張圖都只當成是推進故事的符號而已。每一個鏡頭，我都希望他們能夠把它視為動畫，也就是會動的圖畫來思考：『究竟要表達什麼呢？』我希望他們能夠懷抱著這樣的心情來下筆。比如說一個少女回首的場景，不要為了表現回頭而去畫髮絲的飄搖，而要讓這個飄動本身像是在向觀眾表現什麼一般。粗略言之，就是要將＂表現＂提升到人類思想的高度。」這些嘗試的結晶，便是他首部完全主導的作品《天使のたまこ》（1985）。這部作品在動漫圈內以劇情意象晦澀難解著稱，但這絕非是押井故作高深，而是在其強烈實驗目標下的附帶效應罷了。
在這些嘗試中，押井開始整理出有別於動畫原本追求＂動作趣味＂的表現特色。他發覺與其誇張地強調動作，或者精密地將動作的每個細節都畫清楚，不如只在適當的地方表現動作，張力會更強。而對應於動作的節制，他開始發展出獨特的「 layout 」（本意為佈景或佈局，在動畫中是指畫面的結構安排）方法論。這些方法論在《機動警察パトレイバー２ the Movie 》（1993）中最為成熟完整。初次欣賞本作，往往會先被它緩慢的步調與沉鬱的氣氛給嚇到（或者不支睡著）。但仔細去看，會發現它用極少的動作表現出強烈的寫實感，而精心安排過的畫面與劇情層層相映，成為不可分離的一體。
身為一個電影迷出身的動畫家，押井一直十分關注「動畫與真人電影之間，究竟有什麼不同？」在《攻殼機動隊 Ghost In the Shell 》（1995）以前，他一直嘗試提升動畫的寫實感以接近真人電影。但之後他突然注意到若運用數位技術對影片一格格加工的話，真人電影也可以應用動畫的方法論來拍攝。為了證明這點，他在1997年提出融合動畫、ＣＧ與真人影像的龐大電影計畫《 G.R.M. 》。後來這個計畫遭到凍結，他只好將這個構想以更小規模另拍新作《Avalon》（2001）。在這部作品中，ＣＧ技術不只是用在虛幻場景或動作特效上，甚至被用在演員的表情修整等細微的地方。可以說至此，真人的拍攝部分只是提供一個基本的影像採集，之後所有的編修，都與動畫原理是一樣的。在此同時，好萊塢的電影如《 The Matrix 》（1999）、《 The Lord of the Rings 》（2001）、《 Spider-Man 》（2002）到日本自己的《 CASSHERN 》（2004），都一一證實了他的先見…
押井對「動畫」、「電影」本質的深刻反省與實踐，讓它超越了商業主義的限制，成為日本動畫代表人物之一，受到國內外重視。而他這些對影像的思考與預見，也值得未來從動畫到電影界的創作者們深切思考。

今天誰都開始察覺日系動漫文化漸漸在全球散播開來 動漫迷自然竊竊自喜
但作為創作者恐怕不一定能高興 因為在此同時 全球的動漫迷也開始積極地模仿創作
隨便看看網站如deviantART 別說歐美
從澳洲到菲律賓到俄羅斯到波蘭都有人能學日本風學的唯妙唯肖

自從96年《空想科學教室》出版後，在動漫迷之間蔚為風行，各種延伸相關書籍相繼出版。動漫迷們將動漫畫的故事設定放在現實世界的學科下討論，戲謔性地揭發這些經典作品的設定其實是多麼地不合常理。作為動漫迷的社群活動這並無可厚非，但它對創作者的意義，則是揭示了設定在作品中的位置。
很多人在檢討創作時，會首先去找故事設定的不完備或不合理之處。這些設定不一定是科學原理，也有可能是故事架構上的轉折點（他的個性原本是怎樣怎樣，但因為碰到什麼什麼，他就變得這樣這樣....）或伏筆。但是拘泥於建立、修補這些設定，反而容易忽略其他真正讓作品精采的要素：節奏感、畫面的表達效果、故事與主題的切合度、與讀者的共鳴、起伏的搭配／懸疑與放鬆的安排等等等等。如果讀者馬上開始挑設定的毛病時，往往不是設定本身的問題，而是作品本身缺乏吸引力，讀者的注意力被轉移到故事以外的地方去了。好比一般的戲劇表演，就是要用高潮迭起的劇情與精湛的演技抓牢觀眾的視線，而不能讓觀眾的注意力渙散，去挑說舞台上的道具怎麼那麼假，或者這些演員下了舞台根本就不是這麼一回事。故事設定，就像舞台場地與道具一般。
真正上好的娛樂作品，應該是讓人看得目不轉睛，看完之後深受影響，久久不能自己。一直到多年以後，才以會心一笑的諧擬心情，寫下他自己的『空想ＸＸ教室』。

你知道他是那個畫童夢的大友克洋 你知道他是那個作AKIRA的大友克洋
所以你就知道這部片絕對不只是部不怎麼好看的動畫
而是一個天才sense徹底垮掉的事實
想看的人趕快去戲院看吧 不然看逼踢版
連唯一的聲光效果特長都沒了的話 真不知道這部片還剩啥